„Ich hätte nie gedacht, einen Fleischwolf zu beschallen“

In Hinges Hauptproduktion „Clockworks“, die sich auf „Entmenschlichung durch technologischen Fortschritt und Industrialisierung“ konzentriert, waren der Saxophonist Philipp Stäudlin, der Gitarrist Dan VanHassel, der Perkussionist Matt Sharrock und der Pianist Keith Kirchoff zu sehen; Sie erfüllten die Ipswich Hall des Boston Conservatory mit intensiver mechanischer Präzision, die ein echt menschliches Gefühl bewahrte.

Dan VanHassels Arrangement von „Clockworks“ der schwedischen Metal-Band Meshuggah eröffnete das Konzert (im Gegensatz zum Online-Programm). VanHassel erläuterte, wie er versuchte, „das Material in eine ruhigere und zartere Form zu bringen“, anstatt mit Meshuggahs intensivem und aggressivem Metal-Sound zu konkurrieren. Sie haben eindeutig den richtigen Ansatz gewählt, da er dem Stück eine etwas minimalistische Atmosphäre verlieh und Metal durch Louis Andriessen (mehr über ihn später) filterte. VanHassels Vertonung war immer noch so kraftvoll wie sein Metal-Pendant, ermöglichte jedoch ein außergewöhnliches Ensemblespiel und verschmolz Stäudlin, Kirchoff und den Arrangeur zu einer zusammenhängenden Einheit, während Sharrock das Trio mit präzisem und knackigem Percussion-Spiel leitete. Kirchoff fungierte als Quelle der Ideen, die sich auch im Rest des Quartetts niederschlugen. Ironischerweise wollte dieser Rezensent mehr Lautstärke und Intensität, aber wir bekamen trotzdem etwas Außergewöhnliches.

Es folgte „Camilles“ von Katherine Young, das den aufdringlichen Rockstil abschwächte. Die Konzentration auf die Umsetzung elektroakustischer Musik durch echte Spieler bot dennoch eine Fülle erweiterter Techniken: Stäudlin baute einen Dämpfer in sein Saxofon ein, VanHassel strich die Saiten seiner E-Gitarre, Kirchoff und Sharrock erzeugten Feedback durch Paar Walkie-Talkies und Kirchoff schlug zu Schlagen Sie die Klaviersaiten mit einem weichen Schnurschlägel an. Wie es im Bereich der neuen Musik derzeit sehr beliebt ist, komponiert Young in ihrem gesamten Werk eine harmonische Dichtekurve und formt dabei „zeitliche Klumpen“ (Anzahl und Geschwindigkeit einzelner Ereignisse in jedem Spieler oder Instrument) mit einem ausgeprägten Bewusstsein für das Publikum. Junge Kommentare in ihrem Programm weisen darauf hin, dass sie präsentieren wollte, wie Monarchfalter ihrer Meinung nach untereinander klingen würden (da neuere wissenschaftliche Untersuchungen behaupten, dass Monarchfalter einen weiten Hörbereich haben, der weit über unseren eigenen hinausgeht), und die Ergebnisse waren effektiv, auch wenn Das Stück könnte seine Begrüßung um ein oder zwei Minuten überzogen haben.

Chaya Czernowin aus Harvard folgte mit Sahaf, einem Stück, das dieser Rezensent/Komponist nie in Betracht gezogen hätte, zu schreiben. Kirchoff sprach mit dem Publikum darüber, wie Czernowin die bescheidene Ratsche als Quelle nutzte, Klick- und Surrgeräusche, die die meisten Komponisten eher als Ebene denn als Ausgangspunkt verwenden. Was wie eine seltsame Idee erscheint, funktioniert auf vielen Ebenen. Mit großer Beweglichkeit kontrollierte Sharrock das Ensemble mit einem Satz kleiner und großer Ratschen mit hoher und tiefer Tonhöhe, die sich über das Quartett ausdehnten. Stäudlin, Kirchoff und VanHassel ergänzten diese Klangfarben durch noch erweiterte Techniken auf jedem ihrer Instrumente, indem sie mit der Schlagzunge spielten, die Klaviersaiten mit Gewichten dämpften und alle Gitarrensaiten mit der Handfläche dämpften. Im Vorfeld unsicher, erwies sich Czernowins Experiment überraschend und erfreulicherweise als Höhepunkt des Abends.

Jessie Cox‘ Black as a Hack for Cyborgification stellte jedoch einen Einbruch dar, allerdings ohne Verschulden der Darsteller. Stäudlin und VanHassel reagierten gekonnt aufeinander mit tiefen und lauten Fis-Bassnoten zwischen der E-Saite der Gitarre und dem Baritonsaxophon, passten das Timbre an und warfen dem Publikum den Klang ins Gesicht, während Kirchoff und Sharrock auf ihren jeweiligen Instrumenten explosiv spielten. Selbst als die Gruppe sich intensiv mit den erweiterten Techniken der „Neuen Musik“ beschäftigte, blieb das Spiel auf einem unglaublich hohen Niveau. Das Konzept der offenen Partitur und der offenen Orchestrierung fühlte sich jedoch unzusammenhängend an – eine Falle des Stils.

Louis Andriessens Hout ist für diese Quartettkombination das, was Arnold Schönbergs Pierrot Lunaire für das Pierrot-Quintett ist: Es erfand ein ganz eigenes Genre. Es ist ein Maßstab, mit dem jedes neue Ensemble in dieser Besetzung verglichen wird. Das Scharnier wurde dem problemlos gerecht. In einem komplexen, strengen, durch Sechzehntelnoten versetzten Kanon schuf Andriessen einen Farbkanon, bei dem jede Stimme eine Collage aus einem so lebendigen und kraftvollen Prozess bildete und in dem der Zuhörer hörte, wie aus einer Textur Motivschnipsel hervorgingen. Stäudlin glänzte hier und führte den Rest der Spieler im Kanon an. VanHassel und Kirchoff verdienen besondere Erwähnung, da ihre Stimmen auf der zweiten und vierten Sechzehntelnote einsetzten und eine Konzentration erforderten, die nur der Minimalismus erfordert, um nicht in die bequemere Achtelnote oder den Downbeat zu fallen. Sharrock demonstrierte auch hervorragenden Komfort und Anmut mit der Marimba und spiegelte in der Ausführung die Beiträge zu Transient Canvas wider.

Hinge ist eine willkommene Ergänzung der neuen Musikszene. Stäudlin, VanHassel, Sharrock und Kirchoff verschmelzen je nach Bedarf neue Musik mit der Inspiration und Kraft von Hard Rock und Metal und verwandeln so ein aufstrebendes neues Musikgenre in eine Mischung aus Gelassenheit und Aggression.

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