Going Underground: DEATH LINE (AKA ROHFLEISCH) Mit 50

„Es gibt zahlreiche Produkte, die man kaufen kann, um Fliegen von der Marmelade und Mäuse vom Käse fernzuhalten. Hier ist etwas, um das Publikum von Kinos fernzuhalten … Der verantwortliche Regisseur ist Gary Sherman [1] und ich würde ihn gerne dazu verurteilen Kreislinie." – Anon, Daily Express, Großbritannien, 1972 [2]

Zwielichtige und korrupte Politiker, Bankrott, Massenarbeitslosigkeit, Außenpolitik, sanktionierte Bombenanschläge und die Unterdrückung des Wohlfahrtsstaates … es scheint, dass sich im Vereinigten Königreich seit 1972 nicht viel geändert hat. Tatsächlich ist nichts davon auf eine „Little England“-Mentalität beschränkt ― Die Reichen stopfen sich die Taschen (und Bäuche) voll, während sie sich von den Armen ernähren – während der Rest der Welt sich im Chaos verzehrt. Es ist daher keine Überraschung, dass Kannibalismus und Kolonialismus so eng miteinander verbunden sind und in Zeiten kollektiver Traumata unter konservativer Herrschaft die deutlichsten Analogien aufweisen. In diesen Geschichten greift die Ignoranz des modernen Menschen oft auf etwas ein, das wir weit hinter uns gelassen haben und das uns alle verschlingen wird. Einheimisch, einheimisch, ursprünglich; "unzivilisiert". Gary Shermans fleischfressender Debütfilm „Dead Line“ schafft es – nachdem er vor einem halben Jahrhundert seine eindringliche Warnung ausgesprochen hat – immer noch, die Bedrohung nahe zu bringen, indem er im Mark Großbritanniens und des „Establishments“ herumstochert. Einen Schritt weg von den langweiligen Effekten der Hammer- und Amicus-Produktionen ist dies HG Wells anhand von George A. Romeros düsterem Realismus [3] und sozialem Bewusstsein; eine bissige Underground-Satire, die die Szenerie durchkaut und in blutigen Details an den Knochen nagt.

Zeitleiste

Death Line erschien nur ein paar Monate nach Umberto Lenzis „The Man from Deep River“ – oft als erster Kannibalenfilm angesehen – und fast ein Jahrzehnt vor Ruggero Deodatos „Cannibal Holocaust“ und beschäftigt sich mehr mit Kommentaren zum Klassensystem als mit den umfassenderen Aspekten des Imperialismus. Solche Themen wurden oft in den berüchtigten italienischen Exploitation-Filmen (im Guten wie im Schlechten) gezeigt, von denen die meisten zu prägenden Beispielen des Subgenres wurden. Weniger vom Dschungel, wir befinden uns hier auf dem Gebiet der urbanen Legenden und erinnern uns an Geschichten, die von den ersten Tunneln inspiriert wurden, die unter den geschäftigen Städten des 19. Jahrhunderts gegraben wurden.

Der Tod war allgegenwärtig, und die Städte wuchsen, zusammen mit all den Problemen, die die Massen betrafen. Nach dem Großen Gestank von 1858 erkannte das britische Parlament schließlich die Dringlichkeit, den Abfall von der Themse – einem Fluss voller Pisse und Scheiße – umzuleiten, und machte sich daran, das Problem zu lösen und ein modernes Abwassersystem zu schaffen [4]. Der Bau fiel mit den Anfängen der Londoner U-Bahn zusammen; Die Eröffnung der Metropolitan Railway im Jahr 1863 markierte nicht nur den ersten Tunnel, sondern auch die erste U-Bahn, die sich im Laufe des Jahrhunderts immer weiter um die Hauptstadt herum erstreckte. Von diesem Zeitpunkt an wuchsen die viktorianischen Legenden; der Zustrom von Massendrucken (und ihren Geschichten), die durch das ständige Graben von Tunneln inspiriert wurden – von Penny Dreadfuls bis hin zu Leitartikeln, die die Fantasie beflügelten – und die wiederum Angst und Raserei schürten.

Nehmen Sie zum Beispiel das „Schwarze Abwasserschwein von Hampstead“, in dem die Menschen glaubten, die Abwasserkanäle von London seien voller monströser Schweine. Einige glaubten, dass diese Kreaturen eines Tages einen Weg aus ihrem schäbigen Zuhause finden und in der ganzen Stadt toben würden – es war eine von vielen Geschichten – diese basierte auf der verrückten Idee einer schwangeren Sau, die den Weg in die Kanalisation fand und deren Nachkommen mutierten durch das Abwasser, von dem sie sich ernährten. Nicht allzu unähnlich zu den urbanen Legenden der USA über Alligatoren, die in den späten 1920er und frühen 1930er Jahren durch die Kanalisation von New York streiften.

Natürlich gibt es, wie bereits erwähnt, klassische Beispiele, in denen Death Line andere Parallelen aufweist. Die satirischen Beobachtungen der Novelle „Die Zeitmaschine“ von HG Wells – die (evolutionäre) Spaltung der Morlocks und Eloi – waren eine treffende Metapher für die Klassenspaltung. Wells befasste sich auch eingehend mit dem mythischen Potenzial der Untergrundsysteme, die in das öffentliche Bewusstsein einflossen. „Im viktorianischen England spielten solche Fiktionen mit der allgemeinen Angst vor den Kosten der Industrialisierung und dem logischen Ergebnis des Kapitalismus …“ [5] Tatsächlich werden die Reichen reicher, während die unterdrückte Arbeiterklasse in den Untergrund verbannt wird. Ein „untermenschlicher“ Zustand, auf den in der folgenden Passage treffend Bezug genommen wird:

„Letztendlich muss es also über der Erde die Besitzenden geben, die nach Vergnügen, Komfort und Schönheit streben, und unter der Erde die Besitzlosen, die Arbeiter, die sich kontinuierlich an die Bedingungen ihrer Arbeit anpassen.“ Bedingungen, die zu Kannibalismus führen würden, da die „reiche“ Beute der passiven Eloi zu ihrer Nahrungsquelle wurde. Vertrautes Terrain…

Handlung

Die Zeitreise hier führt durch Victoriana über London im Jahr 1972. Aus dem Offset ist die Kamera auf einen Mann gerichtet, der mit dem Rücken zur Kamera steht und eine Melone trägt – ein Bild der Seriosität –, dem das grelle Technicolor eines Soho-Fleisches aus den 70ern gegenübergestellt wird zeigen; Mit steifem Schirm in der Hand ist dies (anscheinend) ein „Kerl mit viel Knüppel“, als er ein Striptease-Kabarett verlässt und sich unter das Gesindel mischt. Später stellt sich heraus, dass er ein Beamter mit Namen James Manfred „OB Bloody E“ ist, gespielt von James Cossins; einer von mehreren (wichtigen) britischen Sitcom-Schauspielern im Film. Nach einer Auseinandersetzung mit einer Prostituierten am Bahnhof Russell Square wird er von einem unsichtbaren Angreifer angegriffen und anschließend von zwei Studenten, dem Amerikaner Alex (David Ladd) [6] und seiner britischen Freundin Patricia (Sharon Gurney), bewusstlos aufgefunden. Als sie mit einem Polizisten zurückkommen, ist Manfreds Leiche verschwunden.

Angesichts weiterer Berichte über vermisste Personen am selben Ort beginnen Polizeiinspektor Calhoun (Donald Pleasence) von Scotland Yard und sein Partner, Detective Sergeant Rogers (Norman Rossington), die Situation weiter zu untersuchen. Ein anderer Kollege, Inspektor Richardson (Clive Swift), bringt bald ans Licht, dass die Tunnel unter London eine Geschichte haben, zu der auch viktorianische Eisenbahnarbeiter gehörten, die 1892 von einem Einsturz erfasst und nie gerettet wurden Unternehmen, für das sie gearbeitet haben, aus Kostengründen. Über Generationen hinweg brüteten und ernährten sie sich von der oberirdischen Gesellschaft, und nun scheint es, als hätten sie überlebt; Am Ende des Films gibt es ein Mausoleum mumifizierter Kannibalen, um dies zu beweisen. Unmittelbar nachdem Calhoun diese Geschichte erfahren hat, kommen wir zu einer entscheidenden Szene …

Gefilmt in einem stillgelegten Tunnel in Shoreditch, bietet eine atemberaubende siebenminütige Sequenz eine Kamerafahrt, die zu kreisen beginnt und uns in die düstere Umgebung hineinzieht. Eine Ratte, die Fleisch und Knochen zum Vorschein bringt, nagt an einem von Maden befallenen Arm, der auf dem feuchten Boden verstreut liegt. Das Tropfen von Wasser vermischt sich mit einem Herzschlag, der die Spannung der Aufnahme noch verstärkt, und während die Kamera weiter durch den Raum kreist, erkennen wir Manfred – ist das sein Herzschlag oder unser eigener? ― bevor andere kannibalisierte Opfer an den Wänden hängend gezeigt werden. Es ist reines Madame Tussauds, bis wir den „Mann“ und die „Frau“ treffen, die dafür verantwortlich sind.

Während die höhlenartigen und fleischfressenden Aktivitäten des Mannes enthüllt werden, wird uns gleichzeitig ein starker Kontrast – häuslicher Komfort und Unbehagen – zwischen Manfreds Luxuswohnung und der vergessenen U-Bahn gezeigt. Hinzu kommt die Bürokratie, die bis zu Christopher Lees Cameo-Auftritt als mysteriöser MI5-Agent reicht (und ihn enthüllt); Seine Vertuschung durch die Regierung ist ein Rückruf an diejenigen, die vor 80 Jahren für die Entlassung der Arbeiter verantwortlich waren, erinnert aber auch unheimlich an die Paranoia, mit der wir alle in den letzten drei Jahren konfrontiert waren.

Fließband

Präsentiert von Jay Kanter und Alan Ladd Jr., die außerhalb des Studiosystems arbeiten. Der transnationale Ton von Death Line resultierte daraus, dass es sich weiterhin um eine britische Filmproduktion mit einem amerikanischen Produzenten (Paul Maslansky) und Regisseur an der Spitze handelte. Wenn man sich den Film ansieht und die Beteiligten versteht, ergibt das durchaus Sinn, dass er sich eher an den eher nihilistischen US-Horror jener Zeit anlehnt. Manchmal fühlt es sich wie ein natürlicher Vorläufer von „The Texas Chain Saw Massacre“ an, während andere Momente an Dean Cundeys unglaubliche Kinematographie erinnern, die Rob Bottins amorphe und nihilistische Effekte von „The Thing“ einfing. Es scheint eine ähnliche Beziehung zwischen Death Line und John Carpenters Klassiker zu geben. Auch hier halten die Spezial-Make-up-Effekte des Oscar-Gewinners Peter Frampton (die Entwürfe stammen von seinem erfahrenen Vater Harry) den extremen Nahaufnahmen stand. Fotografiert vom verstorbenen Kameramann Alex Thomson, zu dessen Werken „Excalibur“, „Labyrinth“ und „Alien 3“ gehörten, und die Messlatte für die meisten seiner Filmemacher hoch gelegt hat. Die Kunst endet hier nicht. Unter seiner verstörenden Prämisse verbirgt sich so viel, was man an dem Film lieben kann; ein Pre-Loomis Pleasance, der sich stark an das Cockney-Stereotyp anlehnt; seine kleinen Macken, sich die ganze Zeit die Nase zu putzen und seinen „Tee“ zu verlangen! Er hielt sein Vorgehen ziemlich unbeschwert. Die Partitur des Komponisten Jeremy Rose und des Prog-Rockers Wil Malone ist ebenfalls ein Markenzeichen und trifft auf eine seltsame Spur kitschiger Kakophonie – ein Hauch von Roy Budds Get Carter-Partitur –, die in eindringliche Echos von Schreien in der eingestürzten Erde der Tunnel übergeht.

Dann ist da noch Hugh Armstrongs Darstellung des Mannes. Ursprünglich wurde die Rolle Marlon Brando angeboten – der sich aus der Rolle zurückziehen musste, weil sein Sohn zu diesem Zeitpunkt krank war –, aber man kann sich kaum vorstellen, dass jemand anderes die Rolle übernimmt, da Armstrong eine der besten Horrordarbietungen abliefert, die man je sehen wird. Es ist eine Groot-artige Unschuld und Begrenztheit im Spiel, wenn er die einzigen Worte ausdrückt, die er artikulieren kann – „Mind the Doors“ –, die er mit unterschiedlichem Vortrag und Ton wiederholt, was letztendlich zu einem verzweifelten Versuch wird, mit der Welt darüber zu kommunizieren und sich mit ihr zu verbinden. Trotz seiner düsteren Umgebung zeigt sich eine mitfühlende Natur, als wir Zeuge des emotionalen und körperlichen Schmerzes werden, während er sich um seine kranke Braut kümmert, eine Portion Verletzlichkeit, die an Karloffs klassisches Monster erinnert. Armstrongs körperliches Handeln, während er versucht, seinen sterbenden Partner zu trösten, ist verstörend und zugleich liebenswert, eine Schlüsselszene zum Verständnis der Entwicklung der Figur.

Wie bereits erwähnt, gibt es vieles, was den Film über das B-Movie-Territorium hinaushebt. Geschickt inszeniert geht es in die Tiefe; Der „rohe“ Kommentar selbst trägt dazu bei, eines der sympathischsten Monster auf der Leinwand zu enthüllen, während der Mann murmelnd und durch sein Versteck schlurft, während ihm klar wird, dass er der Letzte seiner Art ist. Obwohl Shermans ursprüngliche Einflüsse weitgehend auf der gleichen grausamen Inspiration wie Wes Cravens „Hügel haben Augen“ basieren – durch Sawney Bean und seinen kannibalischen Clan – gelang es Sherman dennoch (wie durch ein Wunder), davon abzuweichen, ihn wie ein Tier zu behandeln. Der Mann hat nichts anderes gekannt, abgeschnitten von der Gesellschaft, was ihm einen Anschein von Menschlichkeit verleiht, mit der wir uns (seltsamerweise) identifizieren können. Was zu einer Erforschung der grundlegenden Ängste wird, die der viktorianischen Fiktion und ihrer Besessenheit von den Widersprüchen der Menschheit innewohnen, wird deutlich in der Dualität von Jekyll und Hyde und den Urängsten von Frankensteins Monster gezeigt.

Damals ein mäßiger Erfolg, ist „Death Line“ ein eher übersehener Kultklassiker geblieben; Zu den bekanntesten Anhängern zählen Guillermo del Toro und Edgar Wright. Dass es im Laufe der Jahre relativ unbekannt blieb, kann darauf zurückgeführt werden, wie die US-Vertriebshändler (die fast ein Jahr später, am 3. Oktober 1973, eintrafen) mit der Veröffentlichung umgingen. Um eine Bewertung mit Von anderen ungenauen Slogans, die sich auf einen Stamm von Kannibalen beziehen – deren spärlich bekleidete Körper mit grellweißen Augen bemalt sind – bis hin zu dem Text, der so weit geht, zu skizzieren, wie die Kinos ihre Lobbys mit Fleischwagen, Gefrierschränken und Metzgereien einrichten sollten [7].

All dies tat dem Film keinen Gefallen, während er auf seinem Weg durch die USA jegliches Gefühl für sein Erbe verlor; einschließlich der gotischen Ursprünge und Kommentare. Es hätte auf jeden Fall etwas Besseres verdient. Wie Laura Mayne betont: „Gary Shermans Film ist ein erschütterndes, brillant gedrehtes und wirklich erschreckendes Beispiel des Genres, aber er ist auch so viel mehr als das: Es ist ein detailreicher, äußerst fesselnder Film, der komplexe Themen über Klasse und Unternehmen entwickelt.“ Verantwortungslosigkeit und Entfremdung des modernen Lebens. [8] Es klingt etwas pompös zu behaupten, dass ein Horrorfilm „erhöht“ werden könnte, statt einfach nur als Gorefest abgetan zu werden (was an sich schon ein Kommentar ist), aber „Death Line“ hat – anders als die Kritiker und Politiker – immer bewiesen, dass er die Nase vorn hat der Kurve.

Ende der Zeile

Auch der Einfluss von „Death Line“ auf andere Filmemacher scheint offensichtlich. Direkte Vergleiche mit „Ein amerikanischer Werwolf in London“ und seiner ikonischen Underground-Szene – „Ich kann Ihnen versichern, das ist überhaupt nicht amüsant“ – wären am transparentesten, wenn wir wieder einmal Zeuge eines pompösen Briten werden, der kurz davor steht, bei lebendigem Leib aufgefressen zu werden. „Creep“ von Christopher Smith ist ein weiterer Film, der offensichtliche Verbindungen zu Andy Nymans und Jeremy Dysons „Ghost Stories“ aufweist – sicher ein U-Bahn-Killer, aber ohne den Subtext. Dieser letztere Film hat zwar einen unterschwelligen Sinn für schwarzen Humor, weist aber einen ähnlichen klaustrophobischen Ton und ein tragisches, sympathisches (menschliches) Monster auf, das in einem Abwasserkanal verrottet und sich durch eine schockierende letzte Wendung offenbart.

Wenn man den Film sowohl als Angriff auf die Sinne als auch als Zensur betrachtet, scheint er sogar die Bürokratie der (britischen) Filmindustrie selbst herauszufordern, die ebenfalls seit langem mit dem Establishment verbunden ist und die Kontrolle darüber behält, was wir „sehen“. Fünfzig Jahre mögen vergangen sein, aber als Kultklassiker vermittelt er weiterhin (unzensiert) eine klare Botschaft über soziale Ungleichheiten, aus der Großbritanniens „Führer“ – angesichts der Folgen einer von der Pest heimgesuchten Welt – nicht lernen wollen. Um uns durch Jonathan Rigby noch einmal in Erinnerung zu rufen: Der Mann ist „obwohl er von einer septischen Seuche geplagt ist und dazu neigt, Ratten den Kopf abzubeißen, im Vergleich zu den verschrumpelten Leben und den verzerrten Werten derer, die über ihm stehen, inmitten einer unvorstellbaren Erniedrigung eine äußerst sympathische Figur.“ , er ist unendlich menschlicher als alle anderen. [9] Man könnte meinen, dass es einige Fortschritte gegeben hat, aber das zieht nur weitere Parallelen zu der immer noch weit verbreiteten sozialen Ungleichheit; Vom Brand im Grenfell Tower – die Reichen verlassen wieder einmal die Armen mit einem Mangel an Sicherheitsmaßnahmen, die an die Untergrundarbeiter erinnern, deren Ausgrabung zu teuer ist – bis hin zum ständigen politischen und wirtschaftlichen Shitstorm, der auf eine immer weiter entfernte verdammte Insel folgt Europa.

Es scheint, dass das Establishment – ​​in diesen grellen Anfangsmomenten – genauso fleischhungrig ist, ihre Korruption und fleischlichen Aktivitäten deuten auf den folgenden Kannibalismus hin; Der Politiker war für einen Moment bewusstlos und wurde von einem monströsen Produkt seiner eigenen Gier und Vernachlässigung in die Dunkelheit entführt. Offensichtlich nicht im wörtlichen Sinne, aber wenn es jemals eine Zeit gegeben hätte, in der das Establishment von den „Begrabenen“ und Vergessenen, den zum Schweigen gebrachten Menschen – dem Rückgrat Großbritanniens, das als Ausgestoßene galt – bei lebendigem Leib aufgefressen wurde, dann wäre es jetzt. „Death Line“ ist vielleicht nicht der subtilste Film, der eine so wichtige Botschaft vermittelt, aber es unterstreicht nur, was für ein übersehenes „Underground“-Meisterwerk des britischen Horrorfilms der Film bleibt.

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