Hollywood traf eine kalkulierte Entscheidung, keine Filme mehr über Gewerkschaften zu drehen – und das nicht, weil die Leute sie nicht sahen

Die Frage, wie die Industrie die Arbeitskraft ausbeutet, ist so alt wie der Begriff der Industrie selbst. Es ist der Motor, der die Romane von Charles Dickens antreibt, der Dschungel von Upton Sinclairs „Der Dschungel und das Öl!“, das zentrale Anliegen der britischen Romantik und das Ziel von Franklin Roosevelts Gesetzesentwurf zur Einführung eines 8-Stunden-Arbeitstages und zur Schaffung eines Handels- und Arbeitsministeriums bei der Verfolgung seiner utopischen Vision einer klassenlosen Gesellschaft. FDR unterzeichnete 1934 das Wagner-Gesetz, offiziell das National Labour Relations Act, das den Arbeitnehmern das Recht einräumte, Gewerkschaften zu gründen und ihnen beizutreten, und die Arbeitgeber verpflichtete, in gutem Glauben Tarifverhandlungen zu führen. Es war kein Altruismus. Roosevelt reagierte auf die jüngste Welle blutiger Arbeitskonflikte sowie Fabrik- und Stadtübernahmen in den Vereinigten Staaten. Er hoffte, dass Verhandlungen das Blutvergießen ersetzen würden. Eine Zeit lang war es so. Filmdarstellungen von Arbeitskonflikten finden oft Inspiration in den Flächenbränden, die vor dem Wagner-Gesetz im In- und Ausland ausbrachen. Sergei Eisensteins erster Spielfilm Strike (1925) nutzt den übergreifenden Montagestil von Lew Kuleschow, dessen Popularisierung Eisenstein weitgehend zugeschrieben wird, und bleibt eine erschreckend moderne Sicht auf die Art und Weise, wie Fabrikbesitzer ihre Arbeiter behandeln. Die Auflösung des Films sieht vor, dass die Regierung streikende Arbeiter auf ein Feld treibt, um sie hinzurichten, während Bilder eines geschlachteten Bullen eingefügt werden, um den Schrecken der staatlich geförderten Intervention zu unterstreichen und im wahrsten Sinne des Wortes, wie Arbeiter von ihren Herren gesehen werden. Es ist nicht subtil, aber es ist immergrün.

Zu den weiteren großartigen Arbeitsfilmen gehört John Sayles' außergewöhnlicher Matewan (1987), der einen Bergarbeiterstreik im Jahr 1929 in einer kleinen Bergbaustadt in West Virginia dramatisiert; Mario Monicellis The Organizer (1963) befasst sich mit Textilarbeitern in Turin um die Jahrhundertwende; Martin Ritts „The Molly Maguires“ (1970) ist ein düsterer, zweideutiger Essay über eine Art Basisterrorismus, der 1876 in den Kohlebergwerken Pennsylvanias im Spiel war; John Fords How Green Was My Valley (1941) (heute zu Unrecht vor allem als der Film bekannt, der Citizen Kane für den besten Film schlug) zeigt in der ersten Hälfte einen spaltenden Minenstreik, der in der zweiten Hälfte durch eine Minenkatastrophe im Wales des 19. Jahrhunderts zunichte gemacht wird; und Youssef Chahines hartgesottenes „The Land“ (1970) beschreibt detailliert die Kämpfe zwischen Landbesitzern und ihren Pächtern in einem Ägypten unter britischer Kontrolle um 1930. Alle schildern das Leid der Machtlosen, die zur Arbeit gezwungen werden, um zu überleben, und die wegen ihrer Verzweiflung als selbstverständlich angesehen werden. Jedes endet mit gewalttätigen, manchmal tödlichen Interventionen, um die Einhaltung zu erzwingen. Bill Dukes kompromissloser Roman The Killing Floor (1984) fügt diesen Geschichten ein starkes rassistisches Element hinzu und erzählt vom wahren Kampf armer schwarzer Pächter während des Ersten Weltkriegs, der sich der Gewerkschaft Amalgamated Meat Cutters & Butcher Workmen of North America anschloss, um sich gegen den weit verbreiteten und endemischen Rassismus zu organisieren und verschiedene alltägliche Missbräuche. Während jeder dieser Filme als Metaphern für Probleme gelesen werden kann, die ungelöst bleiben, werden sie als historische Stücke eher genossen – oder möglicherweise abgetan – als Artefakte eines weniger aufgeklärten Zeitalters, das unter Demütigungen leidet, die moderne Arbeiter nicht mehr ertragen müssen. Die Machthaber möchten, dass jeder Zentimeter, der ihnen zugestanden wird, der letzte Platz ist, und Filme über fortschrittliche Themen jeglicher Art neigen dazu, denjenigen, die etwas bewirken könnten, das Gefühl zu geben, als hätten sie bereits im sprichwörtlichen Amt nachgegeben.

Schwieriger abzulehnen ist etwas wie „Salt of the Earth“ (1954) von Herbert J. Biberman mit seiner Besetzung aus professionellen und nicht-professionellen Schauspielern, die sich versammelt haben, um gegen ihre Behandlung durch einen Zinkbergbaukonzern zu protestieren, der eine von ihnen bevölkerte Stadt kontrolliert überwiegend mexikanisch-amerikanische Mitarbeiter. Ausgehend von einem Streik gegen die Empire Zinc Company im Grant County, New Mexico, im Jahr 1951 liegt ein Teil der Empörung in der neuen streikbrechenden Taktik des Unternehmens, das neue Taft-Hartley-Gesetz von 1947 anzuwenden, das ein breites Spektrum an Streik- und Boykottaktivitäten der Gewerkschaften einschränkt , was viele der Fortschritte von Roosevelts Wagner-Gesetz zunichte machte. Truman versuchte, sein Veto einzulegen, wurde jedoch von einem republikanischen Kongress außer Kraft gesetzt. (Nicht umsonst schwächte das Landrum-Griffin-Gesetz von 1959 die Verhandlungsmacht der Gewerkschaften weiter ab.) Salt of the Earth mit einem Kreativteam, das zum Teil auf die schwarze Liste des House Un-American Activities Committee gesetzt worden war, geht mit gerechter Wut gegen eine Polizei vor, die geschaffen wurde und immer nur als Beschützer des Eigentums der Wohlhabenden und der Konzerne wirksam war und, wie alle Konzerne, sich nur um die Geldbeutel ihrer Aktionäre kümmert. Im selben Jahr drehte Elia Kazan, nachdem er während seiner Aussage vor HUAC Namen genannt hatte, „On the Waterfront“ (1954), wobei Marlon Brando und der Drehbuchautor Budd Schulberg ein ursprünglich von Arthur Miller verfasstes Drehbuch neu schrieben. Die Geschichte des ehemaligen Steuermanns und Hafenarbeiters Terry Malloy, der gegen seine korrupten Gewerkschaftsführer aussagt, ist zweifellos ein Klassiker, wird aber auch unauslöschlich dadurch befleckt, dass Kazan die Arbeitserpressung als Deckmantel, ja sogar als Entschuldigung für sein eigenes unehrenhaftes Verhalten nutzt. Nichtsdestotrotz bleibt die Schlusssequenz, in der ein schwer geschlagener Malloy (Brando) mit der Zustimmung seiner Arbeiterkollegen zur Arbeit taumelt, ein bewegender Moment in der Karriere eines unserer großartigen Schauspieler, auch wenn er als Schlachtruf der Arbeiterklasse wirksam ist durch seinen Schöpfer gedämpft. Tatsächlich können sowohl „Salt of the Earth“ als auch „On the Waterfront“ aufgrund der Dualität der Beweggründe ihrer Schöpfer als arbeitnehmerfreundliche Filme diskreditiert oder zumindest von ihrer gewerkschaftlichen Botschaft abgelenkt werden.

Drei Schlüsselfilme der 1970er Jahre stellten jedoch die Arbeiterbewegungen in den Mittelpunkt und zwangen sie gleichzeitig zu einem modernen Gespräch. Dabei handelt es sich um Barbara Kopples atemberaubenden Dokumentarfilm „Harlan County, USA“ (1976), Martin Ritts populistischen und preisgekrönten „Norma Rae“ (1979) und Paul Schraders außergewöhnliches Regiedebüt „Blue Collar“ (1978). Die am weitesten verbreitete davon, Norma Rae, ist wohl die am wenigsten wirksame von ihnen. Darin ist Sally Field zu sehen, die einen Oscar für ihre Darstellung einer Baumwollspinnarbeiterin aus einer Kleinstadt in North Carolina gewann, die vom schicken New Yorker Gewerkschaftsorganisator Reuben Warshowsky (Ron Leibman) überzeugt wird, von ihren Herren bessere Löhne und Arbeitsbedingungen zu fordern. Das Feld ist darin eine Naturgewalt, aber ein Großteil des Bildes ist weit gefasst und der Klassenkarikatur vorbehalten. Das ist Prestige-Hicksploitation. Als Norma Rae erfährt, dass Reuben Jude ist, erklärt sie, dass er der erste sei, den sie jemals getroffen habe, und dass sie in dem Glauben erzogen wurde, sie seien unmenschliche Monster. Er seinerseits missbilligt die Qualität der Hotdogs, die beim Community-Baseballspiel serviert werden und nicht von Nathan stammen. Der Film funktioniert am besten, wenn er sich mit dem Konflikt zwischen Organisatoren und Fabrikverwaltung befasst, aber er verbringt einen erheblichen Teil seiner Laufzeit mit Unsinn über Fische aus dem Wasser, Norma Raes Ehe mit ihrem schlampigen Kollegen Sonny (Beau Bridges) und ihr unbändiger Mut, auf verschiedene Situationen zu reagieren. Der Schlüsselmoment im Bild ist nicht die unvermeidliche Arbeitsunterbrechung, die wie der Pyrrhusprotest dargestellt wird, der die Dead Poets Society (1989) beendet, sondern ein frühes Treffen im Haus von Norma Rae und Sonny, zu dem sie einige ihrer schwarzen Kollegen einladen teilnehmen. Plötzlich erkennt Norma Rae, wenn auch nur für eine Sekunde, die Bedeutung der Intersektionalität bei der Arbeitsorganisation und wie Rassismus als spaltendes Instrument eingesetzt wird, um Arbeitnehmer fragmentiert und machtlos zu halten. Der Rest ist leider größtenteils ein Underdog-Melodram, in dessen Mittelpunkt der individuelle Heldenmut einer weißen Frau steht. Es ist eine hervorragende Unterhaltung, aber das ist auch schon alles.

Im Gegensatz dazu ist „Harlan County, USA“ von Kopple ein transformativer Film, ein Meilenstein, in dem Kopple die Theorie des „direkten Kinos“ der Maysles Brothers zu einer Waffe macht, bei der der Dokumentarfilmer ausschließlich ein Beobachter seiner Themen ist und es den Geschichten ermöglicht, sich ohne künstlerische Einmischung zu entfalten . Kopple arbeitete mit den Maysles an ihren bahnbrechenden Dokumentarfilmen „Salesman“ (1969) und „Gimme Shelter“ (1970), bevor sie ihre eigene Produktionsfirma gründete, für die Harlan County, USA, ihr erstes Projekt war. Sie ist eine der unbesungenen Helden der größten Filmperiode in der Geschichte des Mediums. Es sollte vier Jahre dauern, bis Kopple vor Ort ständig Zuschussanträge schrieb und dabei zwei Waffen trug, weil die Minenbesitzer, gegen die sich die Bergleute im Harlan County in Kentucky organisierten, Morddrohungen erhielten. Das Ergebnis ihres Engagements ist eine noch immer beispiellose Chronik einer Zeit und eines Volkes, das sich im Kampf um grundlegenden Anstand gegen eine kapitalistische Maschinerie befindet, die überhaupt kein Interesse daran hat, sie als etwas anderes als den Nährboden für ihr Unternehmen anzusehen. Ein pensionierter Bergmann erzählt, wie er einmal davor gewarnt wurde, Maultiere in unsichere Bereiche der Mine zu führen. "Und ich?" er fragt. Sein Vorgesetzter sagt: „Wir können jederzeit eine andere Person einstellen, die Maultiere müssen wir bezahlen.“ Kopple liefert Kennzahlen, die die enormen Gewinne der Mine im Vergleich zum fast völligen Fehlen von Lohnanpassungen der Arbeiter im gleichen Zeitraum zeigen. Das Wohlstandsgefälle ist schockierend und für moderne Zuschauer nur allzu vertraut. Das Wohlstandsgefälle in den Vereinigten Staaten war im Jahr 2023 noch nie so groß, die Löhne stagnieren, der Arbeiteraktivismus nimmt wieder zu, die Menschen sind wütend und es gibt einen auffälligen Mangel an Filmen zum Thema Arbeit. Mehr dazu gleich.

Schraders Blue Collar (1978) ist ein pechschwarzer, ja nihilistischer Film über Autoarbeiter in Wayne County, Michigan. Die Spannung am Set (Richard Pryor und sein Leibwächter haben Harvey Keitel geschlagen, weil er einen Take ruiniert hat, ist die beste Geschichte) trugen dazu bei, einen Film voller unstillbarer Angst und Aggression zu schaffen. Pryor, Keitel und Yaphet Kotto spielen Arbeiter, die sich verschwören, um ihre korrupte Gewerkschaft auszurauben, nur um dann feststellen zu müssen, dass sie mit dem Versprechen bedeutungsloser Titel und dürftiger Lohnerhöhungen gegeneinander antreten. Was wie ein Raubüberfall beginnt, endet in einer vernichtenden Anklage darüber, wie die Effektivität von Gewerkschaften durch die Gier von Einzelpersonen beeinträchtigt wird, die von Gehaltsscheck zu Gehaltsscheck gezwungen werden, um sie bei der Stange zu halten. Die Gesundheitsversorgung an die Arbeit zu binden, ist barbarisch, ein moralischer Gräuel, und Obdachlosigkeit erweist sich als wirksame und ständige existenzielle Bedrohung für Schraders Antihelden der Arbeiterklasse.

Barbara Kopple drehte 1990 einen weiteren außergewöhnlichen Dokumentarfilm über eine Arbeiterbewegung, „American Dream“, und Boots Riley drehte 2018 den unbeschreiblichen und grausamen „Sorry to Bother You“ – eine brillante, überzeugende Synthese aus Rassen- und Klassensatire, die ein düsteres Bild der Amazon-Lagerhäuser zeichnet nächste Entwicklung zur Gefängnisarbeitskolonie. Es ist in der Tat so brillant und so vorausschauend, dass es noch ein paar Jahre dauern wird, bis es als visionär und nicht nur als maximalistische Science-Fiction-Satire angesehen wird. John Frankenheimers „The Manchurian Candidate“ (1962) wurde bei seiner Veröffentlichung genauso wahrgenommen und fungiert nun als urige Warnung, die nicht vorhersagte, wie schlimm die Dinge wirklich werden würden. Und darüber hinaus? Es herrscht bemerkenswertes Schweigen zu einem der wohl beliebtesten und dringendsten Themen in den Vereinigten Staaten.

Reagan entließ 1981 11.000 streikende Fluglotsen, doch Ende letzten Jahres unterzeichnete Joe Biden ein Gesetz, das es Bahnarbeitern verbot, für bessere Arbeitsbedingungen und Sicherheit zu streiken. Nichts davon ist endgültige Geschichte. Die in Buffalo geborene Bewegung gegen Starbucks und die ungeheuerlichen und vielfältigen Verstöße dieses Unternehmens gegen den Wagner Act gipfelte in einer demütigenden Aussage ihres ehemaligen und zukünftigen CEO Howard Schultz vor dem Kongress. Wenn die Option deaktiviert ist, wird alles zurückgesetzt. Unser Affenplanet neigt zur Brutalität. Nazis marschieren ohne Kapuzen und gewinnen Wahlämter, und Kinderarbeit wird in einer Welt mit einer dezimierten Zahl an Berufseinsteigern wieder zulässig.

Auf sehr reale Weise kontrolliert Hollywood in Bezug auf Fragen der Vielfalt und des sozialen Fortschritts die populäre Erzählung und wurde wiederholt und auf eklatante Weise nicht nur als mangelhaft, sondern auch als gefährlich regressiv empfunden.

Und jetzt hat die Writers Guild of America eine Arbeitsniederlegung angeordnet, der sich wahrscheinlich auch Schauspieler und Regisseure anschließen werden, da ihre eigenen Tarifverträge auslaufen. Der Grund dafür, dass wir seit einiger Zeit keine Labour-Filme mehr sehen, liegt vielleicht darin, dass es im besten Interesse Hollywoods liegt (ein Hollywood, das sich größtenteils im Besitz multinationaler Konzerne befindet, wenn Sie nach einem Grund suchen, sich darum zu kümmern), nicht zur Einigung zu ermutigen Bei einer Belegschaft, die derzeit nur einen Anteil von 3 % verlangt, ist dies nach allen Berichten (mit Ausnahme von Hollywood) ein beispielloser Gewinnanstieg. Auf sehr reale Weise kontrolliert Hollywood in Bezug auf Fragen der Vielfalt und des sozialen Fortschritts die populäre Erzählung und wurde wiederholt und auf eklatante Weise nicht nur als mangelhaft, sondern auch als gefährlich regressiv empfunden. Schließlich gibt es in der herrschenden Klasse keine wirkliche Vielfalt und sie sind unbelehrbar, solange sie keinen Grund zum Lernen haben. Der einzige Weg, zu Unternehmen durchzudringen – die keine Menschen sind, egal, was der 14. Verfassungszusatz erlaubt –, die die Arbeit anderer als irgendwie das Produkt ihrer eigenen Hand betrachten, besteht darin, mit der Produktion aufzuhören, bis Geld und die damit verbundenen kreativen Entscheidungen getroffen werden Bereitstellung, wird auf die Personen umverteilt, die tatsächlich die Arbeit ausführen. Sehen Sie sich „Harlan County, USA“ und „Blue Collar“ an, um zu verstehen, warum uns nie etwas geschenkt, sondern nur gewonnen wurde. Beobachten Sie sie, um sich daran zu erinnern, dass die Politik der Spaltung in all ihren hässlichen Formen nur einer Seite nützt. Deshalb sind Gewerkschaften in jeder Branche wichtig. Es ist alles ein Kampf. Seien Sie solidarisch oder verschwenden Sie Ihr Leben für die weitere Bereicherung der ohnehin schon unglaublich Reichen.

Walter Chaw ist der leitende Filmkritiker für filmfreakcentral.net. Sein Buch über die Filme von Walter Hill mit einer Einführung von James Ellroy ist jetzt erhältlich.